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La mode revient-elle à la normale?

Milan, Italie – La mode est-elle revenue à la normale? Presque.

C’est du moins l’impression que j’ai eue lors de la semaine de la mode masculine à Paris qui s’est terminée hier. Je veux dire cela d’une manière complètement positive: le dévouement à la créativité face à Covid-19 était inspirant. Presque tout le monde avait une collection prête à être montrée, elle-même une réalisation importante. À vrai dire, au moment du verrouillage, les studios de design pour hommes bouillonnaient déjà de leurs premières idées. Mais transformer ces idées en vêtements n’était pas une mince affaire. La nécessité est la mère de l’invention, comme on dit.

Cependant, il ne s’agissait pas de collections normales. Les concepteurs sont des êtres humains, pas des machines sans émotion. Anxiété, insécurité, peur… ces sentiments ont affecté tout le monde pendant les mois difficiles de l’accouchement. Ils le font toujours, en fait. Pour cette raison, ainsi que des considérations commerciales pratiques, la plupart des labels ont réitéré leurs codes esthétiques de base. Ce n’était pas une saison de ruptures ou de virages sans précédent. Aucune explosion de folie pour compenser la morosité qui règne là-bas. Les créateurs ont collé à leurs pistolets et à leurs modèles, rééditant de nouvelles versions de styles réussis, tout en jetant quelque chose de nouveau ici et là pour faire bonne mesure.

Ça a marché. Si la crise actuelle nous a appris quelque chose, c’est que le nouveau pour le plaisir n’est qu’un coup de pub; que l’envie de changement insensé est une astuce marketing toxique. Les bonnes idées résistent à l’épreuve du temps et sont la source la plus puissante de durabilité malgré le bla bla sur la responsabilité environnementale des marques qui poussent simultanément le nouveau, le nouveau, le nouveau.

Rick Owens printemps 2021 | Source: Courtoisie

Les meilleures collections semblaient assez familières, avec une touche, et en tant que telles avaient un effet apaisant. Ils étaient les mêmes, mais différents. En effet, la saison avait le sentiment d’un charmant déjà-vu, de la déconstruction de mauvais garçon de Yohji Yamamoto à la nonchalance de luxe cinq étoiles d’Hermès; de la polyvalence complexe de Y-Project au mélange de Rick Owens de couture à larges épaules, de tricots moulants, de lignes dures et de sleaze grungy; du romantisme aigu mais émouvant de Lanvin au beau chaos de Mihara Yasuhiro; du choc multiculturel de l’athlétisme et de l’élégance de GmbH à la précision ludique de Botter. Chez Kolor, Junichi Abe est allé jusqu’à reproduire l’ambiance d’une collection qu’il a réalisée en 2011, en l’adaptant à ce moment. Sur les nombreux podiums virtuels, c’était comme voir un vieil ami, découvrir que l’ami n’avait pas changé et qu’il était, enfin, toujours un bon ami.

Côté mode, il n’y avait pas grand chose de nouveau à enregistrer. Kiko Kostadinov a été l’exception qui confirme la règle: la collection était plus folle que d’habitude et charmante dans ses références costumées. Mais ailleurs, dans sa variété libre et sans tendance, la mode masculine s’est révélée liquide, urbaine, non artificielle et légèrement vestimentaire, d’une manière digne de la rue, comme elle l’a été ces dernières saisons.

Mais c’était une semaine de la mode qui s’est déroulée sous forme virtuelle, sur un site internet, à travers des vidéos. En tant que tel, ce fut une expérience intéressante sur la façon dont la mode et le film, en tant que médiums créatifs, peuvent s’aligner ou peut-être s’affronter, afin d’amplifier le contenu à la mode, de le détourner et de l’étendre, parfois en se concentrant presque pornographiquement sur les vêtements, parfois en virtuellement l’effacer au profit d’une humeur ou d’une histoire. Le format était en quelque sorte démocratique: tous les concepteurs, grands ou petits, devaient jouer au jeu vidéo, et parfois une production plus petite s’est avérée meilleure qu’une grande.

Depuis que Nick Knight a lancé SHOWstudio en 2000, nous avons assisté à l’essor des films de mode, un média que les médias sociaux ont contribué à propulser. Mais contrairement à la photographie de mode, les films de mode sont loin d’avoir trouvé un livre de règles ou une forme définie, ce qui rend le territoire très passionnant à explorer. Du diaporama commercial à la vignette purement atmosphérique, tout et n’importe quoi peut fonctionner, et tant mieux pour cela. Et pourtant, évaluer un look book animé comme celui de Yohji Yamamoto et considérer les images d’un montage à la Rick Owens sont des activités entièrement différentes. Idem appréciant la psychédélie tachée d’un gars jouant de la batterie imaginaire offerte par Dries Van Noten. Le médium, ici, compte vraiment. Et pourtant, en tant que critique, j’ai parfois eu du mal à adapter mes paramètres à ce que je voyais.

Kid Super | Source: Courtoisie

Étais-je censé évaluer la vidéo ou les vêtements? Les deux étaient généralement servis ensemble et parfois les vidéos travaillaient pour mettre en évidence la mode. Un défilé animé a fait briller la vision de KidSuper de la manière la plus accrocheuse. D’autres fois, ils étaient seuls. GmbH a fait un autre type de déclaration, montrant une vidéo de l’artiste Lars Laumann: Season of Migration to the North.

L’absence de tout contenu de mode visible au milieu des animations super accrocheuses et amusantes du message de Louis Vuitton dans une bouteille  » a en fait fait l’un des meilleurs efforts de Virgil Abloh pour le géant du luxe français jusqu’à présent: celui qui semblait fidèle à la réinvention jeune et inclusive ainsi que les compétences d’Abloh pour créer une ambiance plutôt que de concevoir des pièces révolutionnaires. Tout était très funky et très charmant, et le reste sera montré avec des mini-spectacles errants à travers le monde. Sur la même longueur d’onde – le tableau d’humeur vidéo, quelque chose qui attire le regard – étaient nombreux, grands et petits, d’Aldo Maria Camillo à Davi Paris.

Honnêtement, ce qui n’a pas fonctionné, ce sont les vidéos proposant des émissions sans public: trop froides et franchement trop ennuyeuses. Et pourtant, les vêtements doivent être vus en mouvement, en marchant. Il y a une raison pour laquelle la piste a cimenté son attrait au fil des décennies comme moyen de présenter de nouveaux styles. Mais comment traduire cela en une forme dynamique et narrative en vidéo?

Bravo à Études, qui a collaboré avec le réalisateur Grégoire Dyer sur l’une des meilleures expériences visuelles de la saison. C’était un défilé de mode, mais pas un défilé de mode: un long métrage de style cinéma vérité, sans couture avec la caméra suivant un groupe de personnages alors qu’ils se promenaient dans le 20e arrondissement de Paris. Chaque personnage a été le protagoniste pendant un certain temps, jusqu’à ce que la caméra se tourne avec fluidité pour en suivre un autre. C’était un film original. Juun J et Sulvam ont tous deux choisi leurs villes – Séoul et Tokyo, respectivement – comme toile de fond pour leurs vidéos, mais en quelque sorte les choix stylistiques semblaient un peu plus prévisibles. Et chez Hermès, l’idée de filmer l’action dans les coulisses était énergisante. Il a capturé le chaos et l’a transformé en carburant pur, soulignant la légèreté requise de la collection.

Dior Spring 2021 | Source: Courtoisie

Le récit dominant de la saison était définitivement centré sur le processus, et il n’est pas difficile de comprendre pourquoi: montrer le processus satisfait la curiosité et crée un lien intime avec le spectateur. Chez Dior, Kim Jones l’a proposé littéralement dans des vidéos jumelles se concentrant sur le peintre ghanéen basé à Vienne Amoako Boafo dans la première partie, et dans la collection fléchie Boako dans la seconde. Et pourtant, l’intensité colorée et émotionnelle des peintures de l’artiste a fait quelque chose d’un peu formel, si impeccablement exécuté, en termes de vêtements.

Loewe Spring 2021 | Source: Courtoisie

À Loewe, Jonathan Anderson s’est également concentré sur le processus, qu’il a servi dans une boîte d’archives – la solution la plus analogique mais la plus tactile – livrée directement à la porte de chaque «participant». Plus de mini-musée que de théâtre de la mode, le Le concept de «montrer dans une boîte» était définitivement le point culminant de la saison au niveau du format: aussi farouchement non numérique et pourtant aussi captivant que possible. Bien sûr, il est venu accompagné de 24 heures d’interviews, de discussions et de concerts sur le Web, mais la vérité est que la mode a été révélée exclusivement à travers la boîte, et c’était une joie. Des silhouettes en boîte, des cartes de couleur, des cartes de texture et même un motif, ainsi que des silhouettes de membres de l’équipe, tous rendent avec brio des éléments qui entrent dans une collection. C’était comme être à l’intérieur d’un spectacle, tout en étant à la maison, créant le genre de connexion qui nous manque vraiment.

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