This Is Pop Review: Le documentaire Netflix déballe la musique pop

This Is Pop Review: Le documentaire Netflix déballe la musique pop

La plupart des histoires sont amusantes et inattendues. Qui aurait cru qu’une démo bien enregistrée sur une cassette de merde pouvait devenir une sensation internationale ? Les choses les plus étranges se produisent lorsqu’une chanson se coince dans votre tête ou qu’une cassette se coince dans la platine d’un autoradio. Les contrats d’enregistrement sont conclus de cette façon. Chaque épisode s’ouvre sur un récit innocent d’une histoire d’origine. Un enfant qui veut être un athlète se retrouve coincé dans une école surdouée et apprend à marquer des harmonies au lieu de marquer des buts. Une bande de motards et de hippies part à la recherche d’un endroit pour écouter de la musique sans plafond. Une chanson accrocheuse se perfectionne sur la piste de danse d’une discothèque. Quelqu’un tourne un bouton à fond sur un programme qui n’a pas été conçu pour cela. Hé, si Spinal Tap peut mettre leurs amplis à 11, pourquoi Cher ne peut-il pas baisser la correction automatique de la mélodie à zéro ? Ce n’est pas du rock and roll, mais c’est pop.

le 1971 documentaire a adhéré au sentiment d’Homer Simpson « les stars du rock, n’y a-t-il rien qu’elles ne sachent pas? » Personne ne s’attend à cela des pop stars. Mais ce n’est pas comme C’est Pop remplace la guerre du Vietnam par la bataille Oasis contre Blur. Chaque épisode comprend des séquences traitant de problèmes réels et d’injustice sociale. Même si c’est juste T-Pain qui se fait raser dans un avion par Usher pour avoir détruit l’art du chant. « Que peut faire une chanson ? » montre comment les audiences d’Anita Hill en 1991 ont conduit à Bratmobile, et Bikini Kill a créé le premier espace sûr lorsque Riot Grrrls a dirigé « les filles au premier plan » lors de spectacles. La suppression des droits des homosexuels en Russie se traduit par un hit en Amérique.

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Le racisme, le sexisme, la politique queer et le classisme rythment tous les aspects de la musique pop. On dit à la légende de Shoegaze Lush de se présenter à une séance photo en bikini avec une coupe de champagne lorsqu’elle est équipée pour Britpop. Lil Nas X brise les cœurs brisés de l’industrie de la musique country quand il a un tube avec « Old Town Road ». Chuck D de Public Enemy raconte avec éclat comment il est revenu aux Isley Brothers pour «Fight the Power». Quand il dit qu’il voulait capturer ce que cette chanson lui a fait ressentir, il vous le fait ressentir. « Vous pouvez crier autant que vous voulez », dit Chuck D, « mais jusqu’à ce que vous commenciez à casser des vitres, c’est à ce moment-là qu’ils disent » oh tu dois faire quelque chose à ce sujet. C’est comme American Pie.

Lorsque Noel Gallagher perce le « Wonderwall » de George Harrison, c’est uniquement parce qu’il a besoin du mot juste pour terminer une ligne. Une chanson ne peut pas changer le monde. « La musique n’a pas d’agence, seuls les gens ont une agence », nous dit-on alors que les images d’archives présentent des conclusions contradictoires. À la fin des années 40, alors que Woody Guthrie était un troubadour itinérant de la Californie à l’île de New York, les Américains trouvaient de la force dans leur utilisation fière de la main-d’œuvre mexicaine. Les gens voulaient faire des choses ensemble, raconte son fils Arlo Guthrie à la caméra. Ce flashback coupe à des images plus récentes d’appels à construire un mur entre les deux pays et à la faiblesse en son centre. Pour chaque pas en avant, il y a une pirouette en arrière, sauf en danse country en ligne.

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« When Country Goes Pop » résume la prémisse de base de chaque genre mis en évidence. La musique country est censée être une question d’authenticité. Willie Nelson et Dolly Parton sont étiquetés authentiques, même s’ils se dirigent consciemment vers le courant dominant. Shania Twain a rendu la musique country plus populaire que jamais, mais les chats de la vieille école de Nashville sont trop hypnotisés par son nombril pour reconnaître son véritable art de la chanson. Steve Earle inaugure la peur de l’intégrité, jusqu’à ce que Garth Brooks commence à survoler le public lors de concerts comme s’il était le Thin White Duke. La représentation visuelle la plus profonde de l’authenticité du genre se trouve dans des photographies en noir et blanc de membres de Nirvana et Alice in Chains regardant Johnny Cash comme s’il était dieu lorsqu’il enregistre avec Rick Rubin.

Mais Ulf Ekberg d’Ace of Base est-il moins authentique lorsqu’il se souvient avoir joué la piste d’accompagnement de « All That She Wants » sur une piste de danse tous les soirs pour s’assurer que les gens bougeaient avant de mettre des voix dessus? Blur arrive en Amérique le jour où Nirvana débarque. Ils décident de se ré-britter. Quoi de plus authentiquement britannique que trois accords et un Union Jack ? Arlo Guthrie le résume succinctement lorsqu’il se souvient de son père disant que « le travail de l’auteur-compositeur est de déranger les personnes à l’aise et de réconforter les personnes dérangées ».

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